Highlights by A.S.B: Camilo Calderón: Exposición Antológica

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Foto: Mauricio Vélez

 

Camilo Calderón es un artista colombiano, nacido en la ciudad de Bogotá, pero que durante su vida viajó por muchos países y lugares, hasta asentarse en la ciudad de Cartagena de Indias, desde donde ha ido canalizando todos sus aprendizajes, tanto en la vida, como en los entornos donde ha habitado, y el de su mismo arte.

Camilo es un artista integral y muy versátil, quien además de su habilidad con el pincel y el lienzo, también tiene manejo de la fundición, la costura, la talla directa en mármol y otros materiales, lo que definitivamente han sido herramientas fundamentales en la construcción de una obra muy rica y variada, que se transforma constantemente ante la mirada del espectador.

 

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Conozco a Camilo hace varios años, y había visto sus exposiciones más recientes, sus cosmografías, sus péndulos, y sus circunferencias. También he sido testigo de su interés en abrir diálogos productivos sobre su obra, tanto de parte de él, haciendo recorridos sobre sus obras, como de conocer las reacciones de los espectadores que se enfrentan por primera vez a una de sus obras.

Por esto, en esta próxima celebración de sus 50 años de carrera artística, con la Exposición Antológica en el Museo de Arte Moderno, me ha resultado una muestra muy reveladora, especialmente al conocer parte de los primeros trabajos de Camilo, que personalmente desconocía. Donde claramente se aprecia su estilo, sus obsesiones y su gran talento en la expresión de formas, símbolos, y los territorios, que siempre han estado manifestados en su obra de alguna u otra forma. Territorios físicos que se desprenden, que se despedazan, que se rompen, que se encuentran heridos, y que incluso se pueden ver en la obra las heridas internas del paisaje. Efectos que Camilo logra plasmar en sus obras, gracias a sus habilidades como escultor y artesano, que le dan la posibilidad de modificar el paisaje, moldear sus ideas, explorar capas sobre capas sobre el lienzo. Pero además de la desconstrucción, también puede exhibir remiendos, al tiempo que muestra lo roto, también puedo reparar y coser los paisajes, lo que da una especie de luz de esperanza sobre el dramatismo del mensaje y de la obra.

 

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Sus temas son tan variados, pero todos tienen un pequeño hilo conductor que los une, todos ellos unidos a sus vivencias y experiencias propias, sus preocupaciones e ideas. Como él mismo dice: “Porque cada artista se convierte en artista por la necesidad de comunicar”. Y eso hace Camilo en toda su obra, comunicar, explorar, intervenir, exhibir, reparar, y en forma general, darle incentivos al espectador para que teja sus propias ideas entorno a su obra. Una comunicación que se traslada del autor y su obra hacia los espectadores, que a la vez también continuarán la cadena.

Camilo habla con soltura, evocando sus recuerdos con la mirada perdida en otros tiempos. Mira una imagen de una de sus obras, y es capaz de recordar todo lo que sintió al momento de hacerla. Es por esto, que en esta Exposición Antológica, Soundwalkrs ha desarrollado junto con Camilo, un Soundwalk especial dedicado a sus 50 años de carrera artística. En esta experiencia audio, la voz que guía al espectador, es la del mismo Camilo, quien ha decidido llevar su exposición más cerca a los espectadores, utilizando las herramientas tecnológicas, como la de Soundwalkrs, para que los espectadores que se acerquen a apreciar su trabajo, también puedan escuchar sus reflexiones sobre su misma obra y su vida.

 

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Los invito a asistir a la inauguración de la exposición, que será este Jueves 15 de Junio, a las 5:30 p.m., en el Museo de Arte Moderno de Cartagena, y a conocer parte del trabajo de toda la vida de este excelente artista, y a escuchar de su propia voz, reflexiones e ideas tras todos estos años de vida y arte.

 

Para disfrutar del Soundwalk: Camilo Calderón: Exposición Antológica, y de nuestros otros Soundwalks, descarga el aplicativo Soundwalkrs desde Google Play o Apple Store, donde encontrarás todos nuestros Soundwalks,  ¡No dejes de revisarlos!

 

 

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Alejandro Salgado Baldovino (A.S.B)

Coordinador de Contenido Soundwalkrs

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Highlights by A.S.B: Sarah Shaw, Drawing + Teaching on Colombia’s Caribbean Coast

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Fishermen in La Boquilla; marker, pen and colored pencil on paper; 36×29 cm, 2015

 

I had the opportunity to meet and interview the talented young Artist, Illustrator/ Visual Storyteller from New York, Sarah Shaw, who during her stay in the city of Cartagena de Indias for several months inspired her to make a play, with an exhibition currently showing in New York , which it was opened a few days ago.

Let’s know a little about Sarah:

 

Short bio:

S.S: My name is Sarah Shaw, and I’m from Maine, the most northeastern state in the United States. In 2010, I graduated from art school in New York, and ever since, I’ve been teaching in various countries and working on my own art and illustration projects.

 

A.S.B: How did you end up in Cartagena?

S.S: I arrived in Cartagena in 2013 to work with the United States Peace Corps. I was placed in the corregimiento of La Boquilla, and my main project was to collaborate with English teachers in the local secondary school. However, I also led photography camps with groups of students in various pueblos and collaborated with other teachers in the school, including the art and ethics teachers.

 

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View of the gallery at my recent solo show

 

A.S.B: What was your experience like in the city?

S.S: Cartagena is a city of contrast, and as an expat, I had the privilege of bouncing between two worlds: the majestical city center with foreign restaurants, cultural events and air-conditioning, and the lower-strata communities, where there’s always life in the street, motos racing by, and champeta blasting from the tiendas. Working in the local secondary school and living with a host family were very challenging, but I’m grateful to have connected with so many people in the community. The heat, colors and energy of the city still inspire me.

 

A.S.B: What did you like the most?

S.S: Besides the friends I’d made, I really enjoyed living near the beach. In the morning, I used to jog barefoot along the beach towards Las Americas, watching the sunrise, and greeting the same people who also enjoyed the calm morning ambience. On the weekends, I’d often meet up with friends, eat lunch and go swimming. At school, the beach often became a classroom for countless video and photography projects with students.

I also learned to embrace the chaos– people on the coast are great at improvising and going with the flow. There’s an abundance of smiles, laughs and jokes. I like how people value quality time with their family and friends. And I miss the constant music and dancing!

 

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Girl Working at the Tienda; marker, pen and colored pencil on paper; 61×46 cm, 2016

 

A.S.B: How were the colors of Cartagena de Indias?

S.S: The colors of the Caribbean inspired my choice of materials and style. I used art markers and pen to document my colorful surroundings, from the exteriors of houses to everyday fashion. I incorporated at least a few bright hues, like fuchsia, turquoise, and florescent yellow, in almost every drawing.

 

A.S.B: How many illustrations were based on the city?

S.S: I illustrated at least 30 full-color scenes from Cartagena and it’s surrounding pueblos, as well as many other small sketches and comics.

 

A.S.B: What’s your favorite?

S.S: My favorite illustration is “The Watermelon Vendor.” This drawing is based on a scene from a nearby pueblo, where a young vendor was whatsapping on her smartphone while waiting for customers beneath a crumbling structure. The irony of the situation reminded me a lot of my experience living and working in La Boquilla.

 

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At my recent solo show “Sarah Shaw: Drawing + Teaching on Colombia’s Caribbean Coast.”

 

A.S.B: What inspires you about the city?

S.S: In Cartagena, I found inspiration in the hot, tropical climate, where people tend to congregate in front of their homes to catch the slightest breeze and socialize with their neighbors. In my neighborhood, kids would run barefoot through the small alleyways, and vendors would roam along the beaches and dusty streets, offering a small cup of coffee or fried snack from their cart. As a foreigner, I was intrigued by those simple, habitual activities. I sought to narrate my daily interactions with the people in my community and the space around me, highlighting positive aspects of Colombia’s Caribbean coast.

 

A.S.B: Tell me about some exposure you got from these works.

S.S: Recently, I had an opportunity to exhibit my illustrations, comics, sketches and selected student photography in a solo show at my alma mater, Pratt Institute, in Brooklyn, NY. You can see some photos from the show’s opening here:

http://www.mappingwords.com/2016/04/20/in-photos-the-opening-night-of-my-exhibition-in-brooklyn/

 

and check out more images of my work on my website: www.saraheshaw.com

and instagram: www.instagram.com/saraheshaw .

 

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The Watermelon Vendor; marker, pen and colored pencil on paper; 36×29 cm, 2015

 

For more information and be updated on my special recommended and the most important cultural events, download the application Soundwalkrs, where through Explore Tag, you’ll find an exclusive space for my cultural recommended. Do not forget to check them!

 

 

 

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Alejandro Salgado Baldovino (A.S.B)

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Exposición: “INTER – ACCIÓN” by Juliana Rojas

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No quiero hablar de circunscripción, composición, ni recepción de luz. Quiero hablar de mi sentir ante la obra de Norman Mejía y Camilo Calderón, expuestas en el Colegio Mayor de Bolívar, entrando por la calle de La Artillería.

Inter-acción se llama la exposición. Y sí, hay definitivamente una interacción bien lograda entre ambos artistas. Debo confesar, que no conocía al artista Norman Mejía ni su obra, y se me presentaron como un baño de agua fresca. Norman, artista cartagenero, lleno de complejidades, por lo que se vislumbra en una corta entrevista que podemos ver en un pequeño salón de la sala de exposiciones en la que se encuentran las obras. Camilo Calderón, artista bogotano que vive en esta ciudad en donde el sol muere más bonito y que tuve la suerte de encontrármelo en la galería, y quien interactuaba con los visitantes en nombre de los dos, porque a Norman, ya le he es imposible estar de cuerpo presente.

 

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De la mano de Camilo, recorrí cada una de las obras allí expuestas, en silencio las contemplé y por primera vez, me permití hablar de mi sentir, porque si bien disfruto de la pintura, no me he sentido nunca capaz ni en el derecho de poder exteriorizar lo que las obras me transmiten; siento que es un proceso tan íntimo, el del artista con su obra, y que  va mas allá de la mirada del espectador. Sin embargo esa tarde lo hice y ahora lo hago nuevamente.

La pintura de Norman Mejía que se encuentra expuesta, está llena de colores y de espíritus. Siento la mano de alguien en una etapa de reconocimiento de su oscuridad, de sus demonios y del alcance de su luz. Como cuando toma uno por vez primera el sagrado remedio del Yagé y comienza el baile de luces que avecinan una pinta llena de tormentos y a la vez llena de descubrimientos, sonidos de selva y miedos ancestrales. En algún lado leía que Mejía murió creyendo en su pintura y que partió acompañado de esos espíritus que juraba, lo acompañan siempre. Yo no creo que los espíritus de Norman se hayan ido con él, por el contrario, creo que quedaron escondidos, viviendo en sus obras y que si uno se acerca con cuidado, de ladito como quien no quiere la cosa, tal vez tenga la fortuna de que se dejen ver.

 

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Por el contrario, los espíritus que se encuentran en la obra de Calderón, parecen que fuesen viejos amigos del artista. Me da la sensación de alguien que ya transitó por el oscuro camino de sus demonios y que regresó de allí con la tranquilidad de saberles la cara y de que en la comunión bien lograda de ellos con sus seres de luz, puede verse enriquecida su pintura. En la luna roja de Camilo, me reconocí como uno de sus fantasmas, la maga que vive dentro de mi, aquella que esta presente en esa pintura y que si la detallan bien, podrán verla vestida de capa negra, gorro de invierno y entre sus manos una esfera de cristal, cargándose de la energía que esa poderosa luna le da para presentarnos un futuro no muy claro.

La interacción se da, no en la similitud de algunos colores, ni en la redondez de sus cuadros, sino en  la lucha entre la vida y la muerte, que se encuentra plasmada allí. En el baile, a veces caótico, de demonios y ángeles, que no buscan dar respuesta a la incertidumbre que es la vida, sino mas bien, hacerle reverencia, no a la vida, sino a la incertidumbre.

 

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Para ver más información detallada sobre los recomendados en el Festival del Frito y otros eventos , descarga el aplicativo Soundwalkrs, donde a través de Explore Tag, encontrarás diversas recomendaciones. ¡No dejes de revisarlos!

 

Juliana Rojas Román

Twitter: @jrojasroman

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Highlights by A.S.B: Exposición “Sombra y Silencio” de María Victoria Castellanos y Manuel Castro

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Desde el 24 de Septiembre, fecha de su apertura oficial, hasta el 23 de octubre, se encuentra en las instalaciones del Museo Histórico de Cartagena de Indias (antiguo Palacio de la Inquisición), la exposición conjunta “Sombra y Silencio”, por la fotógrafa María Victoria Castellanos y la instalación de Manuel Castro. Ambos artistas unidos por la simbología del “Sombrero”, como elemento de identidad, vida… e incluso dolor y muerte.

Como lo enuncia la sinopsis de la exposición:

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El sombrero enaltecedor de la valentía, la hombría, lo festivo, lo galante… En síntesis, la vida; con sus diferentes texturas, formas, colores y fibras identifica regiones, culturas y fenotipos.

El sombrero vive su vacío y soledad, cuando la vida huyendo atemorizada hacia la inmortalidad deja su canto.

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Manuel Castro, quien se considera a sí mismo como un marquetero y un artesano, sólo con el tiempo se ha auto aceptado como artista… Manuel inició formalmente su trayectoria artística dentro del Colectivo NN; un grupo que en sólo 2 y 3 años creció y tuvo mucho éxito. Pero como suele ocurrir con el éxito se acrecienta el ego, lo que hizo que el grupo poco a poco se disolviera, y a Manuel, quien quedó solo al final, a pesar de no sentirse cómodo con esa situación, tuvo que acostumbrase y salir adelante.

Contándome sobre su primera obra, que llamó “Despojo”, una construcción artística y artesanal inspirada en las Fosas comunes de campesinos. Para este trabajo, utilizó madera, hieso y harina de rosquitas, con las que pudo moldear figuras a mano, que luego le mandaron a Cartagena para una exposición y las horneó. Esa primera exposición en Cartagena data de 7 años atrás, con esa primera obra, que fue presentada en el antiguo complejo acuático de la ciudad. Manuel cuenta que las personas asistentes se conmovieron y tuvo mucho éxito.

En sus posteriores trabajos, con nombres tan particulares como: “Lo que por agua viene, por agua va” o “La gallina está perdida”, son otras construcciones artísticas y artesanales, en donde en todos queda evidenciado su interés en los problemas sociales, la realidad política, a los que hace una crítica sutil que habla por sí misma. Cada uno de ellos transformados o creados con la creatividad de Manuel, que se acoge de elementos naturales, básicos y reciclables.

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La obra de Manuel presente en el MUHCA se titula: “Ever Cordero”, en homenaje a un campesino líder comunitario, asesinado. Castro realiza este homenaje a través del sombrero, en una muestra de seis sombreros, cada uno de ellos quemado, roto y maltratado, simbolizan el dolor, la muerte, la violencia y la repulsión al asesinato de Ever Cordero y los otros campesinos y líderes comunitarios víctimas de la guerra.

Esta obra de Manuel fue seleccionada como imagen nacional del Banco de la República. Y además, fue con esta obra que conoció a la artista María Victoria Castellanos, quien en un concurso donde expuso su obra, ella vio la obra de Manuel Castro, que le impresionó y conmovió, especialmente por la relación con su obra “Hombre y Sombrero”, un proyecto fotográfico que llevó a María Victoria a capturar imágenes de hombres colombianos de distintas regiones del país, donde el sombrero hace parte de su identidad. María Victoria les hizo una fotografía con su sombrero y otra sin su sombrero. Un contraste que permite evidenciar distintos aspectos, desde la sensibilidad y la fragilidad al posar sin sus elementos característicos, hasta la imagen icónica y de fortaleza, como dice María Victoria en el texto de la sinopsis, la hombría, lo festivo, la valentía, lo galante, etc. distintas virtudes que brillan con luz especial, gracias al sombrero.

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María Victoria, quien es Química Pura de profesión, es una excelente artista, que aunque es muy versátil, como ha demostrado la mayoría de su obra y sus últimos trabajos, tiene gran interés especial por el arte y la fotografía etnográfica y antropológica, la representación del ser humano, su comportamiento y su vida en sociedad.

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Fue así como se conocieron y María Victoria invitó a Manuel a exponer su obra con la de ella, en esta simbiosis de talento, creatividad y arte, llamada “Sombra y Silencio”, que nadie debería perderse. Por eso los invito a todos, a los que no hayan ido a verla aún, a que no se la pierdan, en el segundo piso del Museo Histórico.

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Highlights by A.S.B: Exposición de Leo Vergel en Badillo Hotel Galería

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El pasado 27 de Agosto, en el tradicional espacio de “Happy Hour de Artistas” fue presentada la exposición del joven artista visual cartagenero Leonardo Vergel o Leo Vergel como le gusta llamarse de forma artística, en el Badillo Hotel Galería.

Leo nació en el año 1988 en la ciudad de Cartagena, y aunque su vena artística siempre estuvo latente, empezó a crear arte en serio a partir de este año 2015, cuando decidió abandonar sus estudios de Ingeniería Industrial en la universidad, aunque ya tenía un título como técnico, para dedicarse al arte a tiempo completo. Si observamos las obras expuestas en la galería Badillo, veremos que tienen fecha 2015.

El provenir de una familia trabajadora que salió adelante con mucho esfuerzo, y que por tanto valoran mucho el trabajo y la educación, no hizo fácil la decisión de abandonar la carrera. Pero como el mismo Leo dice: “Hay que seguir nuestras convicciones”.

Vive en los Alpes, un barrio en la periferia de la ciudad, y cuenta que cada vez que viene al centro histórico le ocurre lo que nos pasa a muchos que también vivimos fuera de la ciudad amurallada y sus barrios cercanos, que parece que entráramos a otra ciudad. Pero esa otra ciudad le ha servido de gran inspiración para su obra, desde los detalles de la arquitectura hasta los imponentes ventanales que parecen trasladarlo a épocas pasadas.

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Al observar la obra de Leo por primera vez, me interesó mucho su fijación en el color y las formas, en especial esas formas curiosas que adornan la mayoría de sus pinturas, que me recuerda inmediatamente, como se lo mencioné, a los detalles del arte precolombino, cuidado en líneas y de formas enigmáticas, y que a menudo también se mezclaba con la escultura, la pintura, el grabado y por supuesto la ilustración. Varias de las técnicas que Leo también maneja.

Y resulta curioso esta relación con el arte precolombino, porque si hay uno de los temas que interesan a Leo, es el de la identidad. Prueba de ello, dos de sus obras en acrílico: Mulata de Colores (parte superior) y Rostro en Negro (parte inferior), que de forma independiente esconden una voz en pro del mantenimiento de la identidad de los cartageneros, como el afro de las mujeres y el color de piel de la mayoría de la población de la ciudad.

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Dentro de esta misma temática, pero variando en la forma y ejecución, también encontramos a “La Palenquera” (parte inferior), otra de sus obras expuestas en la galería, donde toma uno de los iconos locales y crea una obra a través de materiales reciclables, como cajas de salsa de tomate o

mayonesa y de forma muy hábil y precisa va dibujando con los materiales la figura de la palenquera, creando un efecto que le da vida y movimiento. Es preciso este, otra de las formas del trabajo artístico de Leo, utilizando materiales reciclables para dar vida a las imágenes que se proyectan en su mente creativa.

Al preguntarle sobre su proceso creativo, que como todo artista, tiene un ritual. Por el momento su estudio se encuentra en su propio cuarto y siempre carga con una libreta para apuntar o dibujar alguna imagen que posteriormente quiera plasmar en físico. Ya que su obra es un collage de sus propias ideas, pensamientos y experiencias. Confiesa que es un amante del Rock, y que puede quedarse muchas horas escuchando los acordes de la guitarra de Jimi Hendrix. Y prueba de su amor por este género está en la imagen de cabecera donde se encuentra terminando el retrato del beatle John Lennon.

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Sobre su inspiración y referencias, Leo me cuenta que el artista uruguayo Carlos Páez Vilaró, ha tenido gran influencia en su trabajo. Y al buscar las obras de Vilaró notas su influencia, pero Leo ha encontrado su propia voz y ha construido y está construyendo un estilo propio. No ha tenido estudios de arte, es autodidacta, pero me contó que ha visto documentales de arte y se ha formado como artista, desde influencias, investigación propia e impulsado por su mismo espíritu de artista.

El testimonio de Leo, así como mencionaba al inicio, además de invitarnos seguir nuestras convicciones, nos invita a hacer y descubrir lo que uno quiere y le apasiona, “ya que cuando uno lo hace, se vuelve una mejor persona”, dice Leo. Quien además, cuando pinta siente que vuelve a ser un niño. Se divierte y se deja llevar. Pone a volar su mente, y empieza a probar, experimentar y a soñar.

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Al preguntarle las razones por la que los cartageneros deben asistir a Badillo Hotel Galería a ver su obra, que se encontrará expuesta durante todo el mes de septiembre, Leo responde que debe ir porque van a encontrar algo diferente. Obras con materiales reciclables, algo distinto y nuevo a lo que se ve normalmente en el arte local… y yo agregaría que la propuesta de un joven talento con una perspectiva distinta de la ciudad.

Leo me cuenta que tiene un mural en gran formato en el Hostal El Viajero. Para los que quieran ir a ver su trabajo en otro sitio de la ciudad.

Finalmente sólo me queda agregar que hay que apoyar a los jóvenes artistas. Leo es un ejemplo, como conozco otros de jóvenes que están haciendo arte en la ciudad, y espero que estos casos animen a otros jóvenes a que sigan o se atrevan a descubrir su verdadera pasión, y que el gobierno y las instituciones generen también espacios que ayuden y colaboren a que esto ocurra. De esta forma tendremos más jóvenes felices, y con el tiempo una mejor sociedad.

A continuación les dejo el blog de Leo Vergel, donde pueden encontrar más de su trabajo:

https://leovergel.wordpress.com/

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Highlights by A.S.B: Exposición “ZooCopyright” de Vincenzo Robino


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El pasado 25 de Junio fue presentada la exposición “ZooCopyright” del artista Vincenzo Robino, en el Badillo Hotel Galería.

Vincenzo, es un joven y versátil artista italiano, que estuvo en la ciudad de Cartagena de Indias hasta finales del pasado mes de junio, como residente del Centro Cultural Ciudad Móvil, donde engendró “ZooCopyright”. Es la primera vez de Robino en Colombia y Suramérica, quien llegó a esta ciudad por el destino, gracias a la invitación de Dina Candela, la directora de Ciudad Móvil, que según me contó Vincenzo, es amiga suya desde hace 15 años, cuando vivían a solo una cuadra de distancia en Italia.

Aunque ha trabajado en el diseño gráfico, su verdadera pasión va del dibujo, la escenografía, el teatro, la fotografía y el arte en general, las que considera sus grandes pasiones y de las que goza de gran autonomía, porque lo hace cuando quiere hacerlo, sin presiones ni obligaciones.

Conversando sobre su trabajo y sus temas recurrentes, admitió que lo apasiona la cotidianidad y toda la belleza que desprende el goce y la contemplación de lo cotidiano. Y vaya que pudo tener una buena dosis en Cartagena, ya que la mayor parte del tiempo de su estancia en la ciudad, la pasó en el barrio Getsemaní, entre Ciudad Móvil y Caffé Lunático, un excelente Gastropub donde incluso tuvimos la entrevista.

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Pero ya hablando de la obra que concibió y exhibió por primera vez en Cartagena, “ZooCopyright”, que es un juego de palabras que describe con exactitud el mensaje que Vincenzo quería trasmitir. Al observar por primera vez la obra y tratando de analizar su estilo, pude ver una gran tendencia al simbolismo, imágenes minimalistas pero con elementos y combinaciones de colores y de formas, que confirman una composición con un trasfondo complejo y quizás reaccionario que habla por sí mismo. En la composición de las formas humanas y sus rostros desfigurados pero tan expresivos me trasladó quizás al postimpresionismo y esas nuevas técnicas de retratar la realidad desfigurándola un poco sin llegar a extremos.

Además de estas intuiciones con las que trataba de desgranar un poco su obra, es visible y generan un gran impacto sus composiciones, cargadas de crítica, y de eso mismo que apasiona a Vincenzo, la cotidianidad con símbolos y elementos que desvelan lo oscuro y lo tóxico de esas situaciones y personajes que armonizan sus cuadros.

Sin olvidar los curiosos símbolos de Copyright, que vemos con más frecuencia en los recientes años, donde los artistas, académicos y personas en general sufren de crisis por temor al plagio o a no ser originales. Ese símbolo que firma y acompaña en cada obra de un llamativo color rojo, es el detalle que resalta aún más el mensaje y la profundidad de la obra.

Vincenzo admite que su obra trata de la gente, de las personas, de los seres humanos y la vida en general. Dice que todo lo que dibuja es parte de su propia vida y sus experiencias. Y quizás tras los cuadros que adornan “ZooCopyright”, se encuentra reflejada el ansía o la inherente originalidad de cada persona, dentro del zoológico de la vida.

La obra de Vincenzo Robino pueden encontrarla expuesta en el Badillo Hotel Galería, la curaduría fue realizada por Roxana Ávila. No dejen de ir a visitarla y experimentar personalmente la sensación de verlas y admirarlas de cerca.

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Highlights by A.S.B: “Cruzar”, obra sonoro-visual sobre la migración

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El próximo jueves 11 de junio a las 7:00 p.m., en la Alianza Francesa se inaugurará la obra sonoro-visual de la artista Christine Renaudat, titulada “Cruzar”. Una instalación sonora con apoyos visuales que exploran el tema de la migración.

Christine Renaudat, además de artista, es una periodista comprometida con los problemas sociales que acarrean el mundo, pero que encontró en el arte una forma quizás más poderosa o complementaria a la de su formación como periodista; la de no sólo informar sino de invitar a la reflexión individual y colectiva de la población sobre temas cotidianos y mundiales, tales como la migración.

Con una larga trayectoria, que abarca cerca de 21 exposiciones expuestas con un estilo similar, tratando temáticas sociales, entre las que destacan las “Voces del conflicto colombiano”, que ya había presentado en la ciudad de Cartagena. Cuenta ella que fue presentada justo antes de que se anunciaran los diálogos de paz.

En “Cruzar”, su nueva obra, que tendrá su primera exhibición al público aquí en la ciudad de Cartagena, lo que le permitirá ir desarrollando su proyecto, alterna la experiencia sensorial de escuchar las voces de migrantes que emprenden una difícil travesía buscando un sueño junto con el aleteo de las mariposas Monarca. Esa hermosa especie que viaja cada año de Estados Unidos a México y de México a Estados Unidos. Dos especies que se trasladan por diversas razones, pero pareciese que una en particular los une, la de la esperanza de vida, porque las monarcas son la especie de mariposas más longevas.

Cada obra de Christine Renaudat es un proyecto, y cómo tal una organismo con vida propia que llega de manera diferente a los espectadores, que asisten a vivir una experiencia a través de sus sentidos, en especial de uno de los sentidos tan infravalorados como es el oído. Renaudat cuenta que el proyecto nace a partir de una experiencia de su residencia en México en las montañas de Michuacan, donde tuvo la experiencia de ver y escuchar a esta insólita especie de mariposas. Ella invita a los que puedan a hacer ese viaje y vivir la experiencia, pero a través de su obra nos acerca y nos hace vivirlo, como debe ser la labor arte, de recortar brechas.

Cuando le pregunté por su interés general en las instalaciones sonoras en su obra, ella respondió que a través del sonido se consiguen emociones que tal vez se escapan a la vista. Que frente a una imagen hay un mayor prejuicio, ya que es inmediato el rechazo si no te agrada visualmente, en cambio con el sonido hay que tener paciencia, debes prestar atención, te detienes y puedes reflexionar, además de guardarlo en tu memoria.

A pesar de ser un tema muy francés, sobre todo en estos momentos, Renaudat escogió a Cartagena como primera sede para exhibir su obra, lo que nos habla de la universalidad de esta. Porque el éxodo de vive en distintas partes del mundo. Eso y mucho más será lo que experimentaremos el 11 de Junio, una cita a la que no podremos faltar para vivir una verdadera experiencia sensorial.

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Dato adicional: Previo a la exposición, a las 5:00 p.m., se desarrollará una Charla apoyada por la artista, bajo la temática “La Migración, un Derecho Fundamental” dirigida por María del Pilar Morad, Directora de un grupo de investigación de la Universidad de Cartagena y de la investigadora Gloria Bolilla quienes desarrollarán un conversatorio en torno a la evolución de los procesos migratorios en la Región Atlántica, la importancia histórica de estos movimientos y la permanencia de flujos migratorios transfronterizos para contribuir a la visibilidad de esta tema.

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The Top Most Important Artwork’s Located in Cartagena by Lilo

En el interior de una baldosa destapada protegida por una rejilla, vive “Felicia”, la cangreja mascota del MAMC (Museo de arte Moderno de Cartagena), ubicado en el corazón de Cartagena desde 1979, en la Plaza San Pedro Claver. Tiene 3 maravillas que lo hacen único y muy especial, como es tener un cuento de Gabriel Garcia Marquez que fue escrito especialmente para el Museo. Una colección de arte latinoamericano y arte colombiano de valor incalculable, y además el Museo funciona en el edificio que le pertenece al ministerio de cultura, uno de los más antiguos de la Heroica. Son 14 obras fundadoras rescatadas de la donación que realizó el Museo de las Américas de la OEA en 1958, entre las más de 400 piezas de arte que tiene el museo hoy y que por falta de espacio no se exhiben siempre.

Tip Importante Cartageneros, Viajeros y amantes del arte, todos los Miércoles la entrada la Museo de Arte Moderno es gratis de 9 am a 12am/ 3pm-7 pm .

Soundwalkrs te invita a sumergirte en este recorrido, que junto con el curador del museo conocerás y vivirás este interesante recorrido de 26 obras permanentes. Hoy escogimos las 5 más relevantes y las más buscadas por los visitantes que llegan a las instalaciones del MAMC.

1Cóndor (Obregón)

1) EL CONDOR de Alejandro Obregón: Pintor colombo español, nacido en la ciudad de Barcelona en 1920 y fallecido en Cartagena en 1992. Amigos de todos y bromista. Este artista nos presenta una pintura al óleo sobre lienzo, al primer “Cóndor” de su carrera que realizo en el año 1959. El Cóndor es un animal emblemático del escudo colombiano y de la fauna Colombiana. La cabeza del Cóndor si se observa con atención es casi un auto-retrato. Es una obra insignia del arte en Colombia y una de las más interesantes y valiosas de la colección del museo, sobre todo porque el tema es símbolo de la nación, y Alejandro Obregón lo desarrolló durante toda su vida. Uno de sus Cóndor están exhibidos en el MOMA (Museo de arte Moderno de Nueva york) en sala permanente.

18Tríptico de Cartagena (Enrique Grau)

2) TRIPTICO DE GRAU de Enrique Grau Araujo: Es tal vez el artista cartagenero más querido y nombrado por los Cartageneros y Colombianos, aunque su madre lo tuvo en Panamá, llegó muy pequeño y se crió en Cartagena de Indias. Siempre se consideró y fue  considerado por sus coterráneos como Cartagenero. Falleció en Bogotá en el 2004. Cuando se entra a la sala Grau en el Museo de arte Moderno, resalta la pieza dominante, que es el “Tríptico de Cartagena”: una pintura realizada en tres paneles y en tres tiempos distintos, que cuentan anécdotas y vivencias del artista en su ciudad. El primer panel se llama “Viva Tulipán Primera”, que trata una exaltación a la reina de los estudiantes que hubo en Cartagena, Tulia Primera. El panel central fue realizado primero, se llama “Sálvame Virgen de la Candelaria”, y narra una anécdota familiar de un tío materno del artista. El tercer panel trata con lo que se llama “La Muerte del Pinturero”, e ilustra la Plaza de Toros, la Serrezuela totalmente colmada de público, y un torero supuestamente español llamado “El Pinturero”, que después se supo que no era ni torero. Las anécdotas son muy divertidas e interesantes, si quieres conocerlas, descarga el app y ve al Museo, te reirás bastante.

4Rehilete (Cecilia Porras)

3) REHILETE  de CECILIA PORRAS: Cecilia Porras es una artista cartagenera, nacida en 1920 y fallecida también en esta ciudad en 1971. Fue muy importante en el proceso de las artes locales, en la modernidad del arte en Colombia y en la región del Caribe. Pertenecía a un grupo autentico del que hacían parte: Álvaro Cepeda Samudio, Enrique Grau, Gabriel García Márquez, José Félix Fuenmayor y otros muchos personajes importantes, casi todos escritores y cinematógrafos. Cecilia Porras una de las de las pocas mujeres que hicieron parte de él, donde la amistad era un factor fundamental para conformar y hacer parte de esa comunidad. Esta obra, se relaciona con una serie de piezas que realizó con el tema de los juegos infantiles. Rehilete es un popular juguete infantil que gira con el viento. Su obra cada vez más está siendo conocida y revalorizada. El Museo de Arte Moderno de Cartagena, es el único museo que ofrece una colección de obras de Cecilia Porras, donada por sus herederos.


15Oro y Negro (Eduardo Ramírez Villamizar)

4) ORO Y NEGRO de EDUARDO RAMIREZ VILLAMIZAR: Eduardo Ramírez Villamizar, es un artista colombiano nacido en Pamplona, Norte de Santander en 1922. Ganador del Salón Nacional de Artistas de Colombia. Esta pintura que se llama “Oro y Negro”, pero que también en unos textos aparece como “El Dorado” aludiendo a la idea mítica y mitológica del oro, la etiqueta del periodo conquistador. Sus cenizas reposan en el Museo de Arte Moderno Ramírez Villamizar de la ciudad de Pamplona.

9Fernando de Szyslo

5) SIN TÍTULO de FERNANDO DE SZYSLO: Fernando de Szyslo, nacido en Lima (Perú) en 1925, es uno de los artistas más emblemáticos de América Latina. Esta pieza: “Sin título”, es una denominación que viene del arte abstracto. Es reconocido a nivel mundial por su larga trayectoria en el mundo artístico por ser un buen pintor plástico. Una de sus obras mas reconocidas son: Inkarri, Orrantia, Cámara ritual. Actualmente se sigue desempeñando como pintor, es una leyenda viviente ya que a sus 89 años está totalmente activo y sigue asistiendo a eventos.

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Lilo Piedrahíta

Twitter: @lacartagenerita

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Highlights by A.S.B: 50 años – Retrospectiva de Arnulfo Luna en el MAMC

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Desde el 7 al 31 de Mayo del 2015, los cartageneros y visitantes extranjeros tendrán la oportunidad de apreciar la exposición del reconocido artista de origen cartagenero Arnulfo Luna Franco. Luego de exponer sus obras en distintas partes del país y del mundo en exposiciones individuales y colectivas, regresa a exponer en su ciudad natal, esa donde inició su carrera a principios de los años 60, con los estudios de pintura y grabado en la Escuela de Bellas Artes, donde Enrique Grau fue su maestro.

Luna manifiesta la importancia de Grau y otra artista local, Cecilia Porras, como dos de sus más grandes influencias en su trabajo. Las obras de Grau y Porras hacen parte de la colección fija del Museo de Arte Moderno (MAM).

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“50 años – Retrospectiva de Arnulfo Luna” es el título de esta exposición que exhibirá toda la trayectoria del artista, desde sus primeros trabajos inspirados en las fotonovelas de Corín Tellado, esas historias románticas y rosas que marcaron a una generación, obedeciendo a las tendencias del Art Pop, ese movimiento artístico que predominó en buena parte del siglo XX. Pasando por sus dibujos de camiones y espacios citadinos cotidianos, cada uno de ellos con una historia, lo que mostraría ya su tendencia hiperrealista, que según él mismo menciona, una de las tendencias con las que siempre se ha identificado. Hasta llegar a sus trabajos más recientes, donde destacan el inspirado en postales antiguas con un estilo kitsch, que corresponde a distintas postales que recuperó de los viejos cajones de sus tías bisabuelas. Y su última obra, sacada del horno, correspondiente a un estilo más abstracto.

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Todos esos estilos y esos trabajos, que suman 35 obras, estarán en la exposición en la celebración de los 50 años de carrera artística de este talento local, que tiene un sabor especial. Arnulfo Luna hace exposiciones nacionales e internacionales reconocidas y premiadas casi de forma anual, pero hace 15 años que no exponía en Cartagena. Esta es una oportunidad para que los cartageneros se acerquen a la obra, a los recuerdos y a la vida de este importante y talentoso artista. Ya que precisamente cuando se le preguntó sobre cómo invitaría a los cartageneros y el público local a visitar su exposición, él respondió que porque hace 15 años no exponía en la ciudad, y porque esta retrospectiva es una exposición no sólo de su obra sino de toda su vida.

La cita para la inauguración es el Jueves 07 de Mayo, a las 6:00 p.m. en el Museo de Arte Moderno de Cartagena (MAM).

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Arnulfo Luna Franco

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Arte abstracto de Arnulfo Luna

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Highlights by A.S.B: Sady González, Una Luz en la Memoria en el CFCE

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Uno de los eventos culturales más interesantes que he visto en lo recorrido del mes de abril, es la Exposición: Sady González, Una Luz en la Memoria. No tuve la oportunidad de ver el documental estrenado en el reciente FICCI 55, sobre la vida del fotógrafo colombiano, en conmemoración al cumplimiento de los 100 años de su nacimiento. Pero esta exposición es una buena introducción y quizás un resumen para contextualizar un poco la vida del artista y el contenido del documental. A continuación comparto el tráiler del documental, que se proyecta de manera reiterativa en la exposición.

https://vimeo.com/91378555

En el Centro de Formación de la Cooperación Española, en la sala que se encuentra justa en la entrada, hasta el 15 de abril se estará presentando esta exposición, titulada: Sady González, Una Luz en la Memoria. Donde podremos observar imágenes históricas e impactantes del “Bogotazo” y de la vida cotidiana y citadina de la Bogotá de los años 50, que impresionarán a los asistentes por su belleza, precisión y exposición del horror.

No se la pierdan en estos pocos días que queda disponible. El horario del CFCE, va desde las 8:00 a.m. hasta las 7:00 p.m.

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